David y Goliat. óleo/lienzo 92 x 65 cm.





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167 Cuando el señor Damien Hirst nos presenta la obra del tiburón tigre "The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living", no hace más que la mera labor de decorador. El tiburón tigre es una obra del Gran Creador y el señor Hirst no es más que un taxidermista. Por lo tanto nos encontramos ante una apropiación indebida o robo de autoría del señor Hirst que vulnera los Derechos de Autor del Gran Creador. 

No hay padres adoptivos en el Arte; o lo has hecho tú o no lo has hecho. Si coges la obra de otro autor y la adecentas... no haces más que una labor de decorador, pero eso no es ser Artista con mayúscula, sino con minúscula.  




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Helena. óleo/lienzo 65 x 54 cm.







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166 Algunos dicen que el espectador completa la obra de Arte... que toda obra esta incompleta hasta que el espectador la completa
Esa frase es consecuencia de un Racionalismo exarcerbado. Todo viene de la fatídica frase de Descartes: "Pienso luego existo". La obra de Arte es la que es... y por su puesto que, si el artista ya la ha acabado, esta completa. Si no la viese ningún ser humano jamás, seguiría estando completa; y el espectador lo único que hace es recibir, no completar, lo que esa obra le transmite. Esa frase metafísicamente hablando es un sin sentido.







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La piruleta. óleo/tabla 48 x 48 cm. 





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165 Hay quienes dicen que el título enriquece a la obra artística... o sea, que si le cambio el título a "La Rendición de Breda" por "Nunca debimos habernos peleado" el cuadro gana, es más sugerente, sale enriquecido... Podría dedicarme a la labor de enriquecedor de cuadros neotitulando todas las obras maestras que, gracias a mi ayuda, podrían mejorar...

La obra de Arte es la que es, la que ha salido de las manos del artista y pongas el título que le pongas la obra no cambia para nada, tiene exactamente la misma calidad, ni más ni menos.

Pero hay otros artistas de esta modernidad que opinan lo contrario, como Rothko, que en casi todas sus obras pone "Sin Título" para que cada uno le ponga el que quiera. 

Antiguamente a los cuadros no se les solía poner título y muchas obras de Arte tienen el título que le pusieron otros, no el artista, como la sonata "Claro de Luna" de Beethoven.

La obra de Arte tiene vida propia y el título no le añade ni le quita nada. 












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Rosa blanca. dibujo/papel/tabla. 46 x 38 cm. 




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MIS HALLAZGOS EN VELÁZQUEZ


12º Hallazgo. Las aureolas de blanco de plomo de Velázquez.




detalle de la radiografía del Inquisidor.




Hemos podido saber, gracias a las radiografías, muchos datos acerca de la ejecución de un cuadro que no están presentes a simple vista. También eso le pasa a los cuadros de Velázquez. 

Antiguamente, el blanco al óleo que se utilizaba, estaba compuesto a base de plomo, bastante tóxico por cierto, pero era el que había. Como sabéis el plomo deja bastante rastro en las radiografías.

Una peculiaridad de los cuadros de Velázquez -en algunos, no en todos- son las aureolas de blanco de plomo que recortan las figuras. ¿Por qué están ahí si en el acabado final no salen? Trataré de explicarlo.

Velázquez dibujaba en el lienzo directamente con el pincel cargado de óleo oscuro, como podemos ver por ejemplo en Una campesina. Esto no es normal, sino lo que se estilaba era hacer un dibujo previo a carboncillo, por la sencilla razón de que se puede borrar con más facilidad. Es lo que recomendaba también su maestro Francisco Pacheco en su Tratado de la Pintura.

Pero tratándose del Pintor de pintores... él iba dibujando directamente con el pincel. Cuando aún está fresco el trazo, éste es fácil borrarlo con en trapo, pero si se deja secar es ya bastante difícil de borrar.





Una campesina.





detalle del retrato de Martinez Montañés.





detalle de joven hombre. 




Pero a veces no acertaba del todo en el dibujo, de una primera vez y tenía que corregirlo, una vez seco ya el trazo del pincel. Si tratas de borrarlo con aguarrás te llevas todo -también la imprimación- así que la solución es cubrirlo bien con blanco de plomo por encima para matar el negro del trazo. Una vez seco se puede pintar por encima normalmente y ya no se transparentan los trazos oscuros antiguos. Si no se hace así, la técnica de veladoras que se utilizaba en el barroco, hace que el dibujo subyacente tienda a salir.





detalle de la radiografía del Conde Duque de Olivares a caballo.





Esta técnica no es tan extraña pues se hace lo mismo en pintura de pared cuando hay manchas. Primero hay que cubrirlo con blanco por encima, a veces más de una vez... y después ya se puede pintar normalmente. 

Con el tiempo estas aureolas son cada vez más escasas porque cada vez se le escapaba menos el dibujo. 

La pregunta que me hago es la siguiente ¿Si el Maestro sabe tapar bien los trazos que no le han salido bien... porque a veces no los quita en tantos cuadros? 

¿Es por pereza... o porque realmente quería que los viésemos? 





detalle de Felipe VI  a caballo.





D. Diego de Acedo.







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164 Una misa de Josquin, o de Bach o de Beethoven tiene exactamente el mismo significado. Las palabras latinas que se cantan son exactamente las mismas: las del género musical Misa. 

Pero la forma de enfrentarse al mismo significado de Josquin, de Bach o de Beethoven es absolutamente diferente. Luego el verdadero Arte no está en el qué sino en el cómo

¡Cuántas veces habré escuchado Cantatas de Bach o canciones gaélicas, que no tengo ni idea de lo que dicen, y sin embargo me conmueven tan profundamente! 




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Casas de Amsterdam. óleo/lienzo 61 x 41 cm. 




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163                  4′33″         es una obra musical en tres movimientos realizada por el compositor estadounidense de vanguardia John Cage en 1952. La pieza puede ser interpretada por cualquier instrumento o conjunto de instrumentos. En la partitura, con una única palabra, «Tacet», se indica al intérprete que ha de guardar silencio y no tocar su instrumento durante cuatro minutos y treinta y tres segundosCon el paso de los años 4′33″ se ha convertido en la obra más famosa y controvertida de John Cage.

John Cage nos ayudó mucho... nos ayudó a reflexionar sobre el silencio... pero no nos emocionó nada.

Si no haces nada, no hay arte. La nada en la Música es el silencio, la nada en la Pintura es el lienzo en blanco, la nada en Arquitectura es el solar desnudo, la nada en Literatura es el no pensamiento, etc. El hombre siempre cuenta con los medios que tiene a su alcance y por lo tanto no puede crear de la nada ex nihilo, eso sólo lo puede hacer Dios, pero hay una nada artística. John Cage, en esta ocasión, hace nada artística. 

¿Qué arquitecto pretende hacer en arquitectura lo que hizo John Cage con la música; y le entrega al cliente el solar desnudo donde -todo es espacio- y pretende que le pague?

Las personas que nos ayudan a reflexionar se llaman filósofos, pensadores, predicadores... pero los Artistas son los que nos ayudan a emocionarnos haciendo algo, Arte. 




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Casa de Las Pajanosas. óleo/lienzo 55 x 46 cm. 






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162 En el panorama del Arte actual asistimos a una invasión del concepto sobre la emoción. Los historiadores del arte, los galeristas, los "entendidos" van buscando que quiere decir el autor..., como si en esta vida sólo se dijesen cosas de un modo discursivo o lógico. Un abrazo, un beso, el gesto de la cara, dicen muchas cosas sin decir nada. En un cuadro también se dicen muchas cosas sin decir nada. Todo el mundo busca comprender el Arte como dice Picasso, pero el Arte no va de comprender, va de emocionar.

El hombre tiene dos principios de operaciones: la inteligencia y la voluntad. Lo nuclear del Arte es la emoción no la reflexión, por eso una vez escuchada, vista... una obra de Arte decimos ¿te gusta?, no decimos ¿lo has entendido? porque eso lo decimos al resolver un problema. La emoción es del Arte, la reflexión de la Filosofía o de la Ciencia.  

Eso no quiere decir que en el Arte no entre en juego la inteligencia, pero ésta siempre estará supeditada a la emoción.



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Marita. óleo/lienzo 50 x 37 cm.  




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161 La expresión ready made, traducida como "objeto encontrado", se refiere al uso artístico de objetos ya hechos, encontrados, sin significado artístico cuyo principal difusor fue Marcel Duchamp. 

"Ens et pulchrum convertuntur", el ser y la belleza se identifican. Una cosa simplemente por el hecho de ser, es bella. Por lo tanto no existen objetos sin significado artístico. En Arte no hay padres adoptivos; o lo has hecho tú, o no lo has hecho.

Por lo tanto si el señor Duchamp compra una pala de nieve en una tienda y la titula In Advance of the Broken Arm, él no ha hecho nada, sólo una metáfora poética.

Si lo que quiere hacer es poesía -de poca calidad por cierto- que se dedique al renombrado Arte de la Literatura y que deje al Arte Plástico en paz. 




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Dámaso Alonso. óleo/tabla 48 x 48 cm. 







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160 Existe una argumentación muy extendida entre los artistas que dice lo siguiente: Mi obra ahora no es comprendida por la gente, porque me he adelantado a mi tiempo, pero dentro de cien años será comprendida y alabada. 

Han pasado casi cien años (1917) desde la Fountain -urinario- de Duchamp. Y pregunto: ¿La gente de hoy en día ya la comprende y la alaba...? 

Podemos concluir que, ese argumento se lo traga todo, lo bueno y lo malo. Si tu obra es mala, siempre te queda ese argumento, pero la criba de la Historia deja a cada uno en su sitio. 






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RETABLO EN JERUSALÉN







Con 7,20 x 2,85 m. es el lienzo más grande que, por ahora, voy a pintar en mi vida. Es el retablo de la Capilla de Peregrinos de un nuevo Centro de Peregrinos, llamado SAXUM que está a las afueras de Jerusalén








El complejo consta de diferentes áreas, una de ellas es el MULTIMEDIA RESOURCE CENTRE abierta a todos los peregrinos de Tierra Santa, en la que se promoverá el conocimiento en los Santos Lugares donde vivió Jesús, mediante medios audiovisuales interactivos, para ayudar a los visitantes a aprovechar con más profundidad su estancia en Israel. También se considera la posibilidad de desarrollar programas dirigidos a guías turísticos. Dispondrá además de una capilla de oración, cuyo retablo voy a realizar yo. El tema del gran lienzo es "Los Discípulos de Emaús" porque el Complejo está situado en el camino hacia Emaús. 








Así que tendréis que esperar un poco para verlo terminado porque a mí no me convence ir haciendo fotos al proceso. Se pierde la magia de la obra y no impresiona tanto como cuando lo ves acabado. En ese orden de cosas, os dejo el pensamiento 159 donde hago referencia al escritor Baltasar Gracián (1601-1648) que me parece muy acertado. 






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159 Dice Baltasar Gracián en su aforismo 231 : " No enseñar nunca las cosas a medio hacer. Es mejor que disfruten de su perfección. Todos los principios son informes: La imagen de la deformidad permanece. El recuerdo de haber visto el objeto inacabado impide disfrutarlo una vez terminado. Ver de una vez un objeto grande impide apreciar las partes, pero satisface el gusto. Antes de existir las cosas están en la nada, y cuando comienzan a existir aún están muy dentro de su nada. Contemplar cómo se cocina el alimento más exquisito, antes que apetito produce asco. El gran maestro evitará que vean sus obras en embrión. Debe aprender de la naturaleza a no exponerlas hasta que se puedan gustar."

Los compositores no muestran sus obras a medio hacer en público, lo mismo los poetas... las muestran cuando se han terminado o consideran que, aunque le falten algunos detalles, pueden ser vistas. El Creador hace lo mismo. Cuando fabrica un niño, éste está formándose nueve meses y cuando está terminado sale a la luz. El niño es una obra que puede perfeccionarse más, pero está ya acabada y lista para ser vista. Es cierto que ver el proceso de la obra tiene una función didáctica para los profesionales del ramo, pero no para todos. 






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Adagio. óleo/lienzo 55 x 55 cm. 





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