RETABLO EN JERUSALÉN







Con 7,20 x 2,85 m. es el lienzo más grande que, por ahora, voy a pintar en mi vida. Es el retablo de la Capilla de Peregrinos de un nuevo Centro de Peregrinos, llamado SAXUM que está a las afueras de Jerusalén








El complejo consta de diferentes áreas, una de ellas es el MULTIMEDIA RESOURCE CENTRE abierta a todos los peregrinos de Tierra Santa, en la que se promoverá el conocimiento en los Santos Lugares donde vivió Jesús, mediante medios audiovisuales interactivos, para ayudar a los visitantes a aprovechar con más profundidad su estancia en Israel. También se considera la posibilidad de desarrollar programas dirigidos a guías turísticos. Dispondrá además de una capilla de oración, cuyo retablo voy a realizar yo. El tema del gran lienzo es "Los Discípulos de Emaús" porque el Complejo está situado en el camino hacia Emaús. 








Así que tendréis que esperar un poco para verlo terminado porque a mí no me convence ir haciendo fotos al proceso. Se pierde la magia de la obra y no impresiona tanto como cuando lo ves acabado. En ese orden de cosas, os dejo el pensamiento 159 donde hago referencia al escritor Baltasar Gracián (1601-1648) que me parece muy acertado. 






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159 Dice Baltasar Gracián en su aforismo 231 : " No enseñar nunca las cosas a medio hacer. Es mejor que disfruten de su perfección. Todos los principios son informes: La imagen de la deformidad permanece. El recuerdo de haber visto el objeto inacabado impide disfrutarlo una vez terminado. Ver de una vez un objeto grande impide apreciar las partes, pero satisface el gusto. Antes de existir las cosas están en la nada, y cuando comienzan a existir aún están muy dentro de su nada. Contemplar cómo se cocina el alimento más exquisito, antes que apetito produce asco. El gran maestro evitará que vean sus obras en embrión. Debe aprender de la naturaleza a no exponerlas hasta que se puedan gustar."

Los compositores no muestran sus obras a medio hacer en público, lo mismo los poetas... las muestran cuando se han terminado o consideran que, aunque le falten algunos detalles, pueden ser vistas. El Creador hace lo mismo. Cuando fabrica un niño, éste está formándose nueve meses y cuando está terminado sale a la luz. El niño es una obra que puede perfeccionarse más, pero está ya acabada y lista para ser vista. Es cierto que ver el proceso de la obra tiene una función didáctica para los profesionales del ramo, pero no para todos. 






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Adagio. óleo/lienzo 55 x 55 cm. 





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158 Aunque mande la emoción en el Arte, no significa que no cuente la inteligencia. Hay que saber emocionar inteligentemente, con agudeza, con ingenio. Un bebé sólo sabe llorar, sonreír, reír... pero no tiene más herramientas para expresarse. No sabe hablar, no sabe escribir, no sabe pintar, no sabe tocar un instrumento... se expresa, sí pero muy primitivamente... hace falta que la inteligencia se forme y eso requiere años de esfuerzo.

Pero es muy distinto saber emocionar inteligentemente que saber reflexionar de una manera emotiva.







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Bendición de la mesa. óleo/lienzo 100 x 73 cm. 





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157 Los nuevos creadores buscan una autonomía absoluta, pero eso no es posible. La especie humana tiene una psicología que no puedes cambiar. No puedes ir más allá de la psicología humana porque no conectas con la especie. La especie humana desde siempre ha llorado a sus muertos, se ha enamorado, ha reído con las payasadas, demuestra ira ante lo que le enoja... y eso no lo puedes cambiar por muy intelectual que te pongas y con las ideas muy novedosas que tengas. La marchas fúnebres siempre serán lentas cadenciosas y lúgubres y eso tienes que expresarlo con la música. No puedes hacer una marcha fúnebre saltarina y jovial... será todo lo que quieras menos una marcha fúnebre. El artista trabaja con la inteligencia emocional, no con la lógica o la especulativa. Tienes que hablar a la gente desde el corazón. 




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Ventana de San Pedro Mártir. acrílico/tabla 73 x 60 cm. 




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156 " La música grande debe salir del corazón. Música que solamente nazca de la técnica y de la inteligencia, no vale ni el papel sobre el cual se halla escrita.
Este fue siempre mi argumento contra la llamada música moderna de los jóvenes compositores revolucionarios. Su música es fruto del entendimiento y no del corazón. Primero erigen teorías, y luego componen música que se adapte a esas teorías. Aducen hermosos motivos, explicando por qué la música de nuestro tiempo debe ser destruida y disecada... ¿Cómo se puede reducir la música a un silogismo o una fórmula matemática...? La música debe ser siempre, y ante todo, emotiva."
(M. Ravel, reportaje hecho por D. Ewen en 1931, Revue Etudes y The book of Modern Composers.)

El llamado arte conceptual ha hecho mucho daño al Arte Plástico. La comprensión del Arte no es fruto de un esfuerzo intelectual. La compresión del Arte es fruto de la Inteligencia Emocional.  Si lo importante del objeto artístico es la idea y no la manera, me cargo toda la emotividad y por lo tanto, el Arte. 




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Verónica y Alfonso. óleo/ lienzo 73 x 60 cm. 



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155 Según afirma Nigel Warbuton en su ensayo La cuestión del arte; el Arte es un pensamiento visualizado, que, a su vez, nos invita a pensar.

El Arte no se hace para pensar sino para emocionar. No obstante, se puede pensar mucho sobre el Arte... como sobre infinidad de cosas más... También nos invita a pensar: la muerte de un ser querido, la desigualdad social, el hambre en el mundo, la telebasura, las matemáticas, una buena partida de ajedrez, etc. pero todas esas cosas no son Arte. El Arte está hecho para emocionar. No se puede intelectualizar al Arte de esa manera. 

No hay que hacerle caso a este señor, como no le debíamos haber hecho caso a Descartes con su: "Pienso luego existo" que tantos quebraderos de cabeza nos ha dado con el racionalismo... Un árbol existe y no piensa; tú no creas el mundo con tu pensamiento, existe el ser antes que el pensar. 

El silogismo de Descartes parece que es correcto... precisamente eso: parece, pero no es. Lo mismo pasa con el postulado de Nigel Warbuton; cargar más el peso sobre la inteligencia y no sobre el corazón en el Arte, es un error. En el Arte manda la emoción.



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Eduardo Miura. óleo/lienzo 130 x 97 cm.








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154 " Todos los jóvenes compositores manifiestan una cierta tendencia a ser originales. Dicha tendencia es loable si no sobre pasa ciertos límites". (Verdi, Carta al conde de Arrivabne, 1879.)

Si no sobrepasa ciertos límites... ¿ y si no hay límites? ... y si podemos hacer lo que queramos, que todo está bien. ¿Cuáles son los límites a los que se refiere Verdi?... 

Pues yo pienso que los de la emoción. En esta época de libertinaje artístico pienso que nos hemos olvidado la psicología humana y pretendemos hacer Arte sin saber cómo son los sentimientos del hombre. El resultado es que la gente no conecta porque no se le toca la fibra. El Arte va de emocionar y no de reflexionar. Una fórmula matemática nos puede hacer reflexionar, pero no emocionar, porque no expresa ningún tipo de emociones. Esto es lo que pasa con muchas obras actuales, que pensamos sobre ellas, pero no emocionan.








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Vista del Cabárceno II. óleo/lienzo 65 x 46 cm. 





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153 En el panorama del Arte actual, todo artista se siente obligado a ser original. Tienes que hacer algo nuevo que no haya hecho nadie, tener la idea jamás pensada… El Arte se ha convertido en el Libro Guinness de los Records, donde la idea más peregrina es aclamada como una genialidad. Como Kevin Selley que batió el récord de romper tapas de inodoro con la cabeza… Es fácil batir ese récord no mucha gente se dedica a eso. Es el snobismo de ir de original. Esto es lo que está pasando actualmente en el Arte: el espectáculo circense del más difícil todavía; pero el auténtico valor del Arte es la perfección en la forma de expresarse el artista, aunque no tenga nada de original. Lo original se refiere a idea, el qué y lo importante del Arte lo repetiré por enésima vez, es el cómo.



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José Pérez. óleo/lienzo 65 x 54 cm.  





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152 Por supuesto la originalidad es un valor... pero accidental. Ser original es un valor, ciertamente,  pero accesorio, no fundamental en la obra de Arte. La mayoría de la Obras Maestras de la Historia del Arte no tienen nada de original, y son Obras Maestras porque están bien hechas, porque el artista se ha expresado con perfección. 
La originalidad, siendo un valor, puede añadir interés a la obra de Arte... pero también la puede ahogar en su sobreactuación por pretender ir de original. En ese sentido es como la sal; si se pasa uno con la sal, no hay quien se coma el plato. Los alimentos que tienen mucho sabor no necesitan sal.   








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No me dejes. óleo/tabla 60 x 30 cm.



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MIS HALLAZGOS EN VELÁZQUEZ

11º Hallazgo. El San Pedro Penitente del Nelson-Atkins Museum, atribuido a Herrera el Viejo, pienso que es de Velázquez.
  


Siento no poder enseñarlo mejor porque el Museo parece que no facilita mucho las difusión de sus imágenes...

He intentado mostraroslo directamente pero es difícil porque el link da error después de haber accedido a él varias veces. Lo mejor es que vayáis al 


y después  Search the Collection  I  Keyword The Penitent Saint Peter





Surge inmediatamente la comparación con otro cuadro del Maestro, el de las Lágrimas de San Pedro, una devoción muy frecuente en aquella época.






En Sevilla, del 29 de noviembre al 28 de febrero de 2006, tuvo lugar en el Hospital de los Venerables la exposición llamada «De Herrera a Velázquez. El primer naturalismo en Sevilla» donde el cuadro viajó de Kansas City a su ciudad hermana y aparece muy bien reproducido en el catálogo. El cuadro se ve que es de Velázquez... ya lo dijo Longhi en 1960, pero después su propuesta fue desestimada y ahora los "expertos" la catalogan como de Anónimo sevillano y según el Museo Nelson-Atkins, atribuido a Herrera el Viejo.

El Museo no es que tenga el cuadro en mucha estima porque ni siquiera está expuesto al público...

La tela no es de las más acertadas del Maestro por varias cuestiones:

1º La postura del modelo no es que sea muy estética, podía haber elegido otra mejor. El modelo del San Pedro a mi parecer es un poco flaco para desempeñar ese rol. 

2º La posición de las manos es desacertada, no es bonita artísticamente hablando. Hay un apiñamiento de dedos poco estético.      

3º Este tipo de composición es empleada otras veces por Velázquez en sus obras: figura central en un ambiente de claroscuro pero que abre el espacio interior con paisaje detrás, como Las lágrimas de San Pedro de arriba o El enano Lezcano de abajo. En el cuadro de Nelson-Atkins el paisaje está demasiado recortado sobre la figura y no se integra bien con el primer plano.





Creo que todo esto motivó la atribución, no al Maestro, sino a Herrera el Viejo.


CONCLUSIONES

1º El modo de empastar la pincelada es la de Velázquez en su etapa de juventud en Sevilla. 

2º El modo de tratar los mantos y las vestiduras es de la misma sensibilidad velazqueña.







3º La forma de tratar las manos y la cabeza corresponde a su etapa en Sevilla.

4º La forma de componer: con las figuras principales delante y la escena bíblica  detrás. Nos la encontramos por ejemplo, en Marta y María o en Las Hilanderas, etc. La escena, por cierto, es la de San Juan 21 " Simón Pedro les dijo: "Voy a pescar". Ellos le respondieron: "Vamos también nosotros". Salieron y subieron a la barca. Pero esa noche no pescaron nada. Al amanecer, Jesús estaba en la orilla, aunque los discípulos no sabían que era él. Jesús les dijo: "Muchachos, ¿tienen algo para comer?". Ellos respondieron: "No"  Él les dijo: "Tiren la red a la derecha de la barca y encontrarán". Ellos la tiraron y se llenó tanto de peces que no podían arrastrarla.  El discípulo al que Jesús amaba dijo a Pedro: "¡Es el Señor!" Cuando Simón Pedro oyó que era el Señor, se ciñó la túnica, que era lo único que llevaba puesto, y se tiró al agua. 
Los otros discípulos fueron en la barca, arrastrando la red con los peces, porque estaban sólo a unos cien metros de la orilla." En la escena del lienzo se ve el momento en que San Pedro está nadando vestido hacia la orilla, donde le espera Jesús. El tema de San Pedro Penitente tiene que ver mucho con esta escena, pues justo después Jesús le preguntará tres veces si le amaba, en recuerdo a esas tres veces que le negó. 

5º La forma de tratar las zonas de penumbra con la vegetación también es típicamente velazqueña.

En definitiva considero que es una obra del Maestro, aunque no de las mejores. La juventud es una etapa de aprendizaje... y como se vio después el sevillano aprendió de sus desaciertos compositivos. 

Siento no poder enseñar mejor la imagen del cuadro. Realmente en el link del Museo no se puede apreciar casi nada, es una pena.






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Seis plantas de Utrecht. óleo/lienzo 3hh x 333 cm  





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151 Para la modernidad lo importante es el significado, no el significante. Para ellos lo importante es el qué no el cómo.
Durante generaciones de artistas, en la Historia de la Pintura, se han utilizado los mismos significados, las mismas ideas (La Piedad por ejemplo, María recogiendo a su Hijo de la cruz ) y teniendo esa idea como base, se interpretaba de infinitas maneras; incluso un mismo artista la trabajaba de modos diferentes (como Miguel Ángel con sus Piedades) porque lo importante para ellos era la manera, no el qué. 
Ahora se proponen cambiar el significado infinitas veces, lo que nos conduce irremisiblemente a la originalitis




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